Curador invitado: Marcello Dantas
Inauguración: Viernes 5 de julio de 2013
Cierre: 2 de septiembre. de 2013
Parque de la Memoria- Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado
Av. Costanera Norte – Rafael Obligado 6745 (adyacente a Ciudad Universitaria)
Buenos Aires, Argentina
Bill Viola. Punto de partida. Parque de la Memoria- Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado. Buenos Aires, Argentina. Imagen: Juan José Olavarría
El Parque de la Memoria-Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, recibe la primera exposición individual del reconocido artista neoyorquino Bill Viola en la Argentina. La muestra, Punto de Partida, está concebida especialmente para la sala PAyS del parque.
Punto de Partida – Point of Departure es la primera exposición individual de Bill Viola en Buenos Aires, concebida especialmente para la Sala PAyS del Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado. La muestra, compuesta por siete videoinstalaciones, está atravesada por un claro eje temático: la idea de la partida, el doloroso momento de la separación; ruptura que alude al linde que distingue el aquí del allá, el pasado del presente, la vida de la muerte, el Estado del individuo.
El sufrimiento vivido por las miles de personas eternizadas en las estelas del Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado y por aquellos que las amaban “es una evidencia absurdamente fuerte de la idea de partida”, explica Marcello Dantas, curador invitado de la exposición. “La historia de Latinoamérica está profundamente marcada por el dolor y por la violencia aplicada sobre el individuo. La historia del Parque de la Memoria es también la historia de los que sufrieron y partieron a causa de sus ideas”, afirma.
Bill Viola. Rendición, 2001
Así surge la conexión entre el Parque de la Memoria y la obra de Bill Viola, en la cual la partida está frecuentemente asociada a la vida y a la muerte, al encuentro o a la conexión entre lo consciente y lo inconsciente. Las videoinstalaciones que componen esta muestra -que reúne trabajos desde 1991 hasta la actualidad- dan forma a esa experiencia y brindan una imagen para el momento de la ruptura, sea con la vida, sea con el otro, sea con nosotros mismos: ese es el Punto de Partida.
“La representación del dolor, la resurrección y el agua, también tienen una fuerza simbólica multiplicada por el contexto donde serán expuestas esas obras. La elección de las mismas acabó ofreciéndonos una narrativa a la exposición”, concluye Dantas.
Foto-Detalle The Messenger [El mensajero]. Bill Viola Punto de partida. Parque de la Memoria. Buenos Aires, Argentina. Cortesía: Jaquealarte.com
Bill Viola nació en Nueva York en 1951. Reconocido internacionalmente como uno de los artistas más importantes de los últimos 40 años, la producción de Viola fue fundamental para establecer el video como una forma vital del arte contemporáneo, expandiendo su alcance en términos de técnica, contenidos y alcance histórico. Sus instalaciones de video –con ambientaciones que envuelven al espectador en un lenguaje de imagen y sonido propio- utilizan tecnología de última generación y se distinguen por su precisión y simplicidad. Los mismos se encuentran expuestos en museos y galerías de todo el mundo y forman parte de importantes colecciones particulares. Actualmente vive y trabaja en Los Ángeles.
_________________
Marcello Dantas, curador invitado
Mi primer encuentro con Bill Viola fue en 1988. Aún siendo estudiante en la Universidad de Nueva York, tomé un tren con el pequeño equipo del documental que yo estaba realizando sobre el arte del video y fui a encontrarme con él para una entrevista en el Museo Carnegie, en Pittsburgh. Viola estaba montando una nueva obra The Sleep of Reason [El sueño de la razón], con su pareja creativa de toda una vida, Kira Perov; su hijo Blake, todavía un bebé, ya lo acompañaba.
Aquel encuentro marcó mi vida. La luz que emanaba de su pensamiento claro y sincero, con un toque casi místico de métrica precisa y de contenido emocionalmente relevante, parecía algo llegado de otro planeta, puesto que eso sucedía en pleno auge del cinismo americano de la era Reagan. Bill Viola significaba en aquel momento una puerta abierta hacia un universo paralelo; despertó en el mundo una conciencia sobre la máquina perceptiva del ser humano.
Mi amistad con Bill y Kira comenzó ahí y continuó a lo largo de los años. En 1992 hicimos VideoBrasil y en 1994 fui curador de la exposición que realizó en el Centro Cultural Banco do Brasil, en Río de Janeiro, Site of the Unseen [Territorio de lo invisible] (título también del documental que hice con Carlos Nader sobre Viola). En esa muestra reunimos algunas de sus obras más emblemáticas, entre las producidas hasta entonces. En 2000, montamos una sublime pieza suya, Threshold [En el límite] en la exposición 50 Anos de TV e + [50 años de TV y +], que hicimos en la Oca, en San Pablo.
Bill Viola construyó un impresionante conjunto de obras de video en las últimas cuatro décadas. En ellas existen varias ideas recurrentes que reaparecen años más tarde con el desarrollo tecnológico de los medios de comunicación, del que él no solo dio testimonio, sino que ayudó a crear. Es posible realizar varios recortes temáticos en su obra. Su importancia en la historia del arte es estructural: como uno de los creadores de una nueva forma de arte, Bill creó lenguaje como pocos y dejó en claro que su mayor materia prima era el tiempo, no únicamente la imagen. Enseñó que la ubicación de la cámara debe seguir inicialmente al sonido y no a la imagen, reconsideró conceptos de composición y construyó situaciones de rara belleza escénica y de mucho coraje teatral. Pero también reconectó el plano mítico con el arte contemporáneo y dio un nuevo cuerpo a metáforas visuales fundamentales de la historia del arte y de la filosofía. Con su pensamiento iluminado por las ideas de poetas como San Juan de la Cruz, William Blake y los sufistas Rumi y Ibn Arabi, también se aproximó a la pintura y examinó bajo una nueva mirada a artistas renacentistas como Pontormo y Masolino.
Cuando el Parque de la Memoria me buscó para desarrollar una exposición de Bill Viola, en primera instancia no me pareció que la conexión fuese obvia. Sin embargo, al poco tiempo me quedó clara. Había un nexo importantísimo en la idea de la partida (el doloroso momento de la separación), pues la separación es la línea que distingue el aquí del allá, el pasado del presente, la vida de la muerte, el Estado del individuo. Los 30.000 nombres de las personas que murieron durante la dictadura y que ahora están eternizados en las paredes del Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado en el Parque de la Memoria evidencian una fuerte idea de partida. La historia de América Latina está profundamente marcada por el dolor y por la violencia aplicada sobre el individuo. Este parque señala la historia de los que sufrieron y partieron a causa de sus ideas.
Allí, entonces, surgió una conexión inusitada. En la obra de Bill Viola, la partida está frecuentemente asociada a la vida y a la muerte, al encuentro (o a la conexión) entre lo consciente y lo inconsciente. Sin embargo, la corporización de esa experiencia brinda una imagen del momento de la ruptura, ya sea con la vida, ya sea con el otro, ya sea la que impone el silencio entre aquellos que fueron separados compulsivamente. Esta exposición es sobre esto: el punto de partida.
La representación del dolor, de la resurrección y del agua también tiene una fuerza simbólica que se multiplica por el contexto en el que las obras serán expuestas. Su elección terminó por ofrecernos una narrativa de la exposición, con puntos de vista sobre ese momento de ruptura entre lo inconsciente y lo que pasa en el plano de la percepción.
The Passing [El pasaje] nos permite comenzar. La obra nos obliga a experimentar el tiempo doloroso de la transición asociada a la muerte y al nacimiento –encuentro y separación–, una respuesta muy personal de Bill Viola ante la pérdida de su madre y el nacimiento de su hijo. Explora cuestiones de percepción, tiempo y las diferentes fases de la mente y de la conciencia donde se confunden memoria, realidad y visión. Este largometraje de 1991 es uno de los hitos en la carrera de Viola; también, su última obra de video lineal de larga duración.
Surrender [Rendición] es un díptico compuesto por dos pantallas verticales, una sobre la otra. Como en un ritual de autoflagelación, un hombre y una mujer se agachan frente a un espejo e agua. Los dos hacen movimientos sincronizados de postración, cuya intensidad va aumentando durante el ciclo. Al inicio, parece un acto de afecto (como un abrazo o un encuentro), sin embargo, en el proceso vemos que estamos frente al reflejo de ambos en el agua. Con esta revelación y el movimiento del agua, lo que al comienzo parecía ser afecto se revela como angustia y dolor latentes. El acto sublime de la inmersión en el agua se transforma
en desesperación, hasta que las imágenes se desintegran en apenas luz y color. Es inevitable pensar en cómo esa obra ilustra la condición humana del individuo frente al poder, que va de la fascinación a la rendición y la entrega.
Observance [Observación] es una obra que nos ofrece el punto de vista de los que quedaron. Personas atónitas ante la imagen de lo que acaba de tomar forma llegan lenta y constantemente, de una en una, a ver algo que no vemos. Se alternan ante un acontecimiento brutal, la emoción del dolor que contagia a todos, uno por uno, un sentimiento colectivo de pérdida. En el contexto de esta muestra, esa obra da forma al dolor de los millones que se vieron impotentes frente a una catástrofe humana.
Three Women [Tres mujeres] En la oscuridad, una madre y sus dos hijas se aproximan lentamente a una barrera invisible. Atraviesan una pared de agua, linde entre la vida y la muerte, entre las tinieblas y la luz, y se tornan nítidas. Luego, la madre decide que es hora de volver a la oscuridad y sus hijas la siguen. Tres mujeres ofrece un tránsito entre las dos dimensiones del tiempo, el presente y lo eterno: generaciones de madres, hijas y nietas buscan el eslabón perdido que un día las unió y son lavadas por el agua helada de la crueldad humana.
Al inicio de su carrera, Bill Viola exploró el contacto con otras culturas, con el paisaje y con el universo animal como fuentes importantes de contenido para la construcción de su repertorio. Obras como Chott-El-Djerid, Hatsu-Yume y I Do Not Know What It Is I Am Like ayudaron a definir el verdadero lenguaje del video.
Ancestors [Antepasados] representa una jornada a pie de una madre y su hijo a través del desierto, en el calor del verano. Durante la travesía ocurre una transformación: el paisaje los engulle en medio de una tempestad de arena y desaparecen delante de nuestros ojos. Esta obra articula el espejismo del momento de la desaparición, cuando la conciencia da lugar al inconsciente.
The Messenger [El mensajero] En la instalación más monumental de la exposición, una gran proyección con un punto de luz en medio del agua oscura revela, de a poco, una figura humana cada vez más nítida. De la profundidad del agua surge ese hombre que despierta como de un sueño profundo, nos mira y produce un sonido ancestral como queriendo decirnos algo. Emite esa señal incomprensible y después vuelve a sumergirse en las profundidades de donde vino, hasta volverse nuevamente una pequeña mancha de luz. Esta obra trae una conciencia de que entre el allá y el acá existe un espacio –un limbo de conciencia, una pulsación entre la superficie y lo sumergido, entre lo incomprensible y lo no dicho– en el intento de comunicarse.
Acceptance [Aceptación] es la obra de esta muestra que más me conmueve. Un torrente de agua lisa y transparente, prácticamente invisible, define la imagen de un bulto que está ante la inminencia de cruzar esa línea de agua. Algunas de las más importantes y profundas experiencias humanas ocurren en momentos como estos, donde se establece un límite y tenemos que decidir si cruzarlo o no. Este acto es un punto de inflexión en la vida de una persona, pues una vez que se ha cruzado, toda su historia se redefine, como por un acto restaurador, un exorcismo, una purificación, un renacimiento, la suspensión del miedo, el rescate de un sufrimiento profundo o la cura de una herida. La decisión que se toma delante de esa línea establece el camino que el individuo tomará en la búsqueda de su nueva integridad. Esta obra, más que cualquier otra, habla del proceso de reconstrucción de la ciudadanía, del honor y de la vida de todos aquellos afectados por el régimen que violó sus vidas. Al brindar una imagen de este doloroso y fundamental proceso de restauración, la exposición cobra sentido en el momento actual. Este es nuestro punto de llegada.
Gacetilla de prensa: parquedelamemoria.org.ar / ramona.org.ar
